L’ARTE DEL MELOLOGO

Nel mare magnum, spumeggiante e inquinatissimo, della poesia contemporanea italiana e della sua delirante editoria, si sono formati, da troppo tempo!, due partiti di un antagonismo subdolo e feroce, i quali, esattamente come accade per i partiti politici, vanno sotto due denominazioni tanto demenziali quanto frodolente: la poesia “lineare” e la poesia “performativa”. La poesia lineare contro la poesia performativa, e viceversa, a botte di esclusione e di colpi tremendi. La poesia lineare, ritenendosi ed essendo ritenuta dai suoi sostenitori ed editori, pura (bembianamente, petrarchescamente pura), si riversa in una editoria bianca: dal bianco candido della collana omonima einaudiana, al bianco meno candido di Donzelli, al bianco sporco di Crocetti, sempre bianca e pura la poesia lineare ha da essere (e se neometricamente incoronata, ancora meglio). Essa si ritiene ed è ritenuta, dai suoi autori editori e sostenitori, la “vera poesia”, la sobria, la profonda, la riflessiva e silenziosa poesia, tutta alti concetti e alta metrica, infinitamente imitabile ed imitata. Viceversa la poesia perfomativa è rappresentata da editori multiformi e multicolori, ma a scarsa tiratura e soprattutto scarsa fiducia nel prodotto proposto, il quale “non vende”, esattamente come la poesia bianca, ma costa di più produrla, perché l’oggetto editoriale si complica di allegati quali cd audio e dvd video. Ai suoi autori e ai suoi sostenitori (che spesso sono parte di un unico e relativamente sparuto gruppo, quindi autoreferenziale) non interessa affatto la “vera poesia”, considerata vecchia, muffosa, stantìa, ma la poesia, appunto cosiddetta performativa. Ma su cosa esattamente si intenda con l’aggettivo performativa nessuno si interroga, ovvero, a parte gli autori dei blog di Absolute Poetry, nessuno cerca di dare un senso, se ce l’ha, a questo termine. L’importante – si crede, in ambito “performativo” – è che la poesia non s’en vada più per lo mondo da sola ma accompagnata da musica e arti varie, l’importante è che la poesia diventi multimediale, anche abborracciatamente multimediale purché multimediale sia. E poco importa se il prodotto multimediale che ne deriva viene performato una sola volta all’interno di un festival di poesia di provincia e di fronte ad un pubblico di quattro persone. Il poeta performer sarà ugualmente convinto di aver fatto il suo dovere artistico.
Cari lettori di questo mio blog, ormai sapete abbastanza bene come la penso, ma devo proprio dire che questa diatriba e divisione mi ha veramente annoiata. Prima di tutto perché non ci credo e non ci ho mai creduto: questa divisione fa il paio con un’altra infatti, altrettanto oziosa e frodolenta. Quella fra poesia (sottinteso “vera”, l’indiscussa, l’immota) e poesia d’avanguardia o sperimentale. Enorme, colossale pasticcio storiografico, essendo l’avanguardia (e tutte le sue derivate neo-) un fenomeno storico, ed essendo invece la sperimentazione (linguistica) la ragion d’essere stessa, in omnia saecula saeculorum, del fare poetico.
Non esiste poesia lineare vs poesia performativa e non esiste poesia “vera” (accademicamente accettabile, scritta da poeti-critici, legata insomma alle glorie fiorentine Dugentesche, Trecentesche e Novecentesche Anni ’30-’40: infinito noiosissimo epigonismo essa tutta generò, essendo che la Novecentesca Toscanità è a sua volta una replica, appena appena variantata, della Lingua Toscana dei Santi Padri... quel melmoso padule in cui non volle impantanarsi, con consapevole e corrucciata fiertà, la Grande Amelia) vs poesia performativa.
Un brutto e cattivo motivo effettivo di distinzione fra le due esiste però, e riguarda la visibilità. Il Bianco, il non-colore, il tutta luce, si vede meglio della variegata multiforme multicolore incertezza della sua nemica performativa, la spuria, la sbeffeggiante, l’immodesta e caciarona poesia performativa. La poesia “vera”, che chiamerò ufficiale, ha una sua critica ed una sua editoria piuttosto sicure di sé, con spazio di recensioni sui giornali, e anche benedetta dal Vaticano (vedi la rubrica del suo armato crociato Davide Rondoni sul Sole 24 ore); la poesia performativa invece invade il web con foga espressiva pari alla sua effimerità. Anzi, a complicare ulteriormente le faziose cose, entrambe invadono spudoratamente il web, mantenendo le stesse caratteristiche grafiche cartacee anche in cristalli liquidi. Quanti siti di poesia-spazzatura ma sedicente lineare affollano in corsivo dilettantesco, con tanto di formato centrato, a meglio simboleggiare la propria sacra essenzialità verbale, la rete universa! E quanta poesia performativa malfatta (meno, per fortuna, richiede più mezzi) ci giunge alle orecchie dalle casse mortifere dei nostri pc!
E si aggiunge un altro grosso problema, all’interno del mare magnum (più fluvial-logorroico che marino), alla definizione di performatività poetica: il suo infinitamente minore impatto sul pubblico (l’agognato pubblico della poesia performativa, confinato in gabbie-festival autoreferenziali) rispetto alla sua sorella più furba, la canzone d’autore. La cosiddetta “canzone d’autore”. Fiumi di parole son stati spesi negli ultimi decenni nell’unica tematica affrontata dalla critica riguardo alla poesia performativa: quella della sua distinzione dalla canzone d’autore; con la domanda, che non trovò mai unanime risposta: è la canzone d’autore poesia oppure no?
Unica cosa certa è che la canzone d’autore vende (tramite supporto cd audio e pubblicità in video su You Tube) e la poesia performativa no, restando talmente multiforme e variabile da essere invisibile-inudibile, un fenomeno artistico d’élite, si dice, o di nicchia, spesso dovuto però alla sua incertezza dilettantistica, sia della penna che della voce che la veicolano.
Come stupirsi, dunque, in tutto questo immane e astioso casino guelfoghibellinico, se la poesia non ha fortuna nel mercato dell’arte? E dico dell’arte perché non trovo un termine migliore. Dovrei dire mercato editoriale? Esiste ancora un vivo mercato editoriale che non sia di libri di cucina? Dovrei dire mercato teatrale? Il teatro versa in una miseria indegna per un paese civile, indecente, qui in Italia: figurati se ha posto per la poesia (persino la Valdoca, nonostante sia un’eccezione quanto a fama – ma sempre di nicchia - e sia veicolata in bianca einaudi e dotata di un apparato promozionale degno di tal nome, non ha una posizione chiara e distinta nel caos sistemico in cui mi sto addentrando, almeno quanto a critica: la poesia della Gualtieri è poesia o teatro? Cosa pensa di sé, criticamente, il Teatro della Valdoca? Quali dichiarazioni di poetica sostengono la poesia di Mariangela Gualtieri? Lei non se ne cura, a quanto ne so, di questo aspetto. Ha scelto il personaggio della poetessa pura, quindi indiscussa. Come la Merini, come la Valduga. Esistono come personaggi della poetessa, e quanto basta, a loro, a me no).
La poesia contemporanea resta perciò un fenomeno artisticamente ineffabile e di fatto invisibile-inudibile ai più, sia in libreria, sia nei teatri.
Mi provo a dare un’interpretazione del tristo fenomeno e a suggerire una, almeno parziale e valida nell’attualità, via d’uscita (o di mio gusto: avanti coi commenti e le polemiche!).
Chi segue questo blog sa già come la penso riguardo a quella vera e propria chimera che è il termine performance. Di per sé esso non significa null’altro che azione, prestazione. Ho già suggerito il mio punto di vista sulla differenza che intercorre tra l’attore come performer e il poeta come performer. Rimando ai post precedenti, ma lo riassumo: è sempre la voce-corpo il soggetto in questione (la voce è corpo perché è respiro che fa vibrare le corde vocali e articolazione delle posizioni della bocca e della lingua), ma mentre l’attore teatrale recita una parte-personaggio anche se quel che dice è in versi, il poeta-performer riscrive vocalmente il testo giacente sulla pagina (anche se non scritto da lui o lei medesimo/a), sostanzialmente, e misticamente, incarnandolo, ovvero dandogli vita fisica, tridimensionalità rispetto alla pagina scritta. Però, proprio perché il soggetto è la voce-corpo anche per il performer-poeta, anche questi, come l’attore teatrale, deve avere una formazione confacente ad una prestazione scenica (performance in senso stretto). Deve cioè sapere usare (brutto e impreciso termine, ma tant’è) la voce e il corpo, avere un carisma scenico, la presenza scenica, quell’unità mente-corpo di cui parlavano i grotowskiani è un buon suggerimento tutt’oggi per intendere cosa deve essere un performer. Ma questo soggetto deve anche saper scrivere poesia, un testo che abbia in sé la propria oralità-vocalità metrico-ritmica, fonosimbolica, fonosemantica, un testo cioè che regga come tale. Difatti, in soldoni, quel che distingue la canzone d’autore novecentesca dalla poesia sua contemporanea è che nella prima il testo è in funzione della musica, vera struttura del pezzo, e dunque in sé incompleto stilisticamente, mentre la seconda è conclusa in sé, strutturalmente, ma la sua vaga e pura, leopardianamente petrarchesca, suggestività, può tollerare e talvolta beneficiare (Orrore! Melensità!) di una musica di sottofondo. Oppure c’è la “poesia sonora”: identica a se stessa dagli Anni Settanta, essa ignora il testo, perlopiù ridotto a gioco di parole, e si sfoga nell’happening. Molto divertente, ma non c’entra nulla con la poesia in quanto genere artistico in cui phonè e semantikè hanno da fondersi inscindibilmente, se vogliono accedere al senso.
La critica letteraria si occupa perciò solo di poesia ufficiale pura e semplice, perché il resto è inclassificabile ed indecifrabile, affidato ad una empiricità più effimera del fumo. Flatus vocis, ma non nel senso migliore del termine.
In tutto questo ribobolo magmatico i più affondano e la poesia ha perso, da quel dì oramai, il mandato sociale. Anche questo argomento è stato oggetto di accorate pagine critiche. La poesia ha perduto il suo carisma sul pubblico dei fruitori delle arti della parola. La funzione poetica di Jakobson si è rifugiata e prostituita nella pubblicità. La poesia “non si capisce”, questa l’accusa del popolo. E giù a cercar di rimediare aggiungendo la musica, le gare in ottava rima, gli slam poetry, la lotta politica e tutto quanto fa spettacolo.
Ma grazie al cielo il Novecento è finito e finito da un decennio, quindi possiamo cominciare davvero a liberacene di questi meccanismi vecchi decrepiti. Vorrei che sorgesse una critica letteraria priva di queste aberranti distinzioni e dotata di competenze varie e scritta da menti libere e vorrei che la poesia tornasse ad essere epica gloriosa delle italiche genti schiacciate dal tiranno televisivo. Vorrei che i poeti studiassero letteratura canto e recitazione. Vorrei che i poeti fossero autori, ovvero avessero una poetica solida, troppi sedicenti poeti si inebriano della propria narcisistica estemporaneità. Ricordiamo che la poesia o è (sperimentazione linguistica e fonoritmica-fonosemantica) o non è. E che se il poeta vuole, come deve, recuperare il suo mandato sociale, deve lavorare professionalmente su più fronti, dagli Anni Zero in avanti. E’ deplorevole il fatto che ancora oggi, in piena fase storica di oralità secondaria, di civiltà orale secondaria, escano ancora libri di poesia. Bianchi donzelli silenziosi e spenti. Specchi mondadori per le allodole accademiche.

Cosa fu il melologo nell’Ottocento in fin dei conti poco importa. E’ il termine che mi piace, che è acconcio ad un rinnovamento della pratica poetica e critica. Ho così sottotitolato un mio libro con cd del 2004, Lo Dittatore Amore, che ha raggiunto il grado assoluto dell’invisibilità-inudibilità critica. Il melologo è un testo in versi che implica perciò, dall’interno, il suo recitar cantando, ma che è aperto alla musica non come sottofondo sottomesso ma come contrappunto necessario al compimento della sua esistenza artistica. Chi o coloro che lo esegue o lo eseguono devono essere in grado di scrivere da autori, di recitare secondo una coscienza della vocalità praticata da attore teatrale e/o da cantante, di comporre e suonare musica professionalmente.
Quand’è così i risultati si vedono, è la poesia c’è, e pure il mandato sociale: penso a Vinicio Capossela i cui testi (specialmente di Ovunque proteggi e di Marinai, profeti e balene), sono fortemente e stabilmente letterari, ovvero non hanno la struttura della canzone d’autore (oppure sì, ma allora la musica cambia), detti secondo un recitar cantando accompagnato da contrappunti musicali i più varii, a seconda della natura testuale, sia stilistica che tematica. Ho assistito inebriata al concerto di Capossela Marinai, profeti e balene. Un insieme variegato e coeso di stili letterari e musicali, sostenuto da un cantante-attore dalla vocalità inconfondibile e tostissima. I testi, pur “difficili”, non demoralizzavano il pubblico, che anzi li pogava, lacerti danteschi inclusi, con partecipazione pari a quella dimostrata nei confronti di pezzi più marcatamente pop. Vinicio Capossela è un poeta performer? No di certo. E’ un cantante? Anche, ma non solo. E’ un attore? Anche, ma non solo. Cosa lo distingue da un cantautore e da un attore? Il fatto che è anche un musicista e che perciò tratta la testualità melologicamente. La stessa tendenza, seppure secondo uno stile radicalmente diverso – direi anzi opposto per sensibilità e riferimenti culturali rispetto a Capossela– l’ha manifestata Massimo Zamboni, proprio a partire dagli Anni Zero. Dopo essersi fatto le ossa performative (nel senso tecnico e vasto del termine) come chitarrista-compositore del miglior fenomeno punk-rock italiano degli Anni Ottanta-Novanta (CCCP-CSI etc., per molti di noi fenomeni artistici veramente auratici e formativi, nelle zone della mente e del cuore), negli Anni Zero diventa autore. E pubblica, un po’ restando in nicchia un po’ no, insomma rimanendo come in molti fra color che son sospesi fra generi espressivi varii (vero cancro delle arti della parola e della musica in Italia), due cd melologici: Sorella Sconfitta e L’inerme è l’imbattibile. Bellissimi. Con testi troppo “difficili” per diventare canzoni famose? No, con testi poetici melologici, quindi difficili da digerire per il mercato musicale della canzone d’autore. E così questi testi confluiscono oggi in un Donzelli, Prove tecniche di resurrezione, scivolando nella nicchia bianca degli invisibili-inudibili poeti. Con varie case editrici Zamboni pubblica nella forma testo + cd + dvd (rimando i non informati al sito omonimo), ma resta di nicchia. Ecco cosa accade ai migliori a causa del casino gigantesco di cui sopra. I testi di Zamboni sono poesie, non lineari né performative, poesie punto e basta, ma la loro destinazione nasce melologica, a seguito della formazione musicale dell’autore e grazie alla sua capacità di evoluzione artistica. E quindi la scissione fra il libro e i cd è forzosa. Ma certamente è stata indotta dalla necessità di Zamboni di affermarsi come autore, quindi ben venga. Però la mia speranza, la mia più viva speranza, è che il guazzabuglio delle false definizioni – che serve a far progredire i furbastri e mantenere invisibili i molti artisti validi e in buona fede, vero grande cancro italico – imploda per entropia in un gran buco nero silenzioso, che s’inghiotta i mediocri e sputi fuori pochi ma buoni quasars luminosissimi e sonorissimi. La parola magica? Intonazione. La poesia, quando c’è, ovvero quando è frutto di una ricerca sperimentale cioè ha un suo decifrabile stile, è un fenomeno di INTONAZIONE. La detto Derrida, io mi limito a ricordarvelo e a far lavorare dentro le vostre teste polisemiche questo antico termine retorico.